I dette blogindlæg vil vi diskutere, hvordan “Ballerinaen der elskede en B-Boy” bevægede publikum uden dialog, og den dybde af følelser, som stumspil kan formidle.
Om “Ballerinaen der elskede en B-boy”
Lad mig først forklare musicalen "The Ballerina Who Loved a B-Boy", som jeg så. Det er en musical, der var et varmt emne selv på Broadway i New York. Den havde premiere på Jamsil Arts Theater i Sydkorea i oktober 2009 og er fortsat elsket af publikum i dag. Som verdens første b-boy-musical er denne forestilling kendetegnet ved sin pantomime, der formidler historien til publikum gennem musikken, der spiller i baggrunden, og de tilsvarende kropsbevægelser og ansigtsudtryk. Da den kun udtrykkes gennem dans og musik uden dialog, er historiens struktur ikke kun flad, men også ligetil. Pantomimens appel ligger dog ikke i historien, men i selve udtryksmetoden. Da musicalens titel er "The Ballerina Who Loved a B-Boy", var rollebesætningen og hovedrollerne b-boys og ballerinaer. Scenen var stor og spektakulær, og ensemblet var lige så spektakulært, med "Extreme Crew", der har vundet verdens b-boy-konkurrence flere gange gennem årene, og en ballerina eksklusivt for Show B-Boy, der opførte danse og forestillinger, der tog pusten fra publikum. Jamsil Arts Theater var et lille teater med plads til omkring 200 mennesker. Scenen og publikumspladserne var tæt på hinanden, så de farverige og elegante danse udfoldede sig lige foran publikum og holdt dem fokuserede og entusiastiske gennem hele forestillingen. Atmosfæren var meget anderledes end en typisk musical, hvilket jeg vil forklare mere detaljeret senere.
Handlingen i "Ballerinaen der elskede en b-boy" er, som titlen antyder, en ren kærlighedshistorie om en ballerina, der forelsker sig ved første blik i en b-boy og opgiver sin drøm om at blive b-girl for at være sammen med ham. Musicalen begynder, da ballerinaen Yoo Eun-hye (So-yeon i stykket) går hen og klager over støjen fra hiphop-b-boys på gaden ved siden af hendes ballet-øvestudie. Jeg vil beskrive den betydning, der kan findes i musicalens handling. I musicalen repræsenterer ballerinaer den privilegerede klasse, eller overklassen og de velhavende, mens hiphop og b-boys repræsenterer masserne og de marginaliserede. Ballerinaen forelsker sig i en b-boy ved første blik og begynder at sætte spørgsmålstegn ved sin identitet. Efter megen overvejelse indser hun, at hun engang var medlem af masserne, før hun blev en del af den privilegerede klasse.
Ballerinaen ville være en del af masserne, men masserne accepterede hende ikke og diskriminerede hende i stedet. Men til sidst opgiver ballerinaen sine privilegier og bliver en del af masserne og opnår den kærlighed, hun havde længtes efter. I dette blogindlæg vil jeg fokusere på de lektier, jeg lærte fra dette skuespil, som efterlod et dybt indtryk på mig og blev hos mig længe efter, jeg så det.
Først og fremmest var jeg imponeret over stykkets unikke blanding af det nye og det klassiske, og jeg husker skuespillernes stræben efter frihed. Derfor vil jeg diskutere den friktion, der opstår i mødet mellem det gamle og det nye, og den konflikt, der opstår i stykket. Jeg vil også udforske den frihed, der kan ses i teatrets og dansens ukonventionelle rammer.
Mødet mellem det nye og det gamle
I en tid, der kræver kreativitet, er der mange forsøg på at bryde med sund fornuft. For eksempel spilles traditionelle koreanske instrumenter som gayageum sammen med elektriske guitarer, og der er hyppige forsøg på at gøre klassisk musik mere tilgængelig for offentligheden, såsom arrangementet af Beethovens klaversonate nr. 8, "Pathétique," af Beethoven Virus. Jeg synes, denne forestilling er et sådant forsøg. Der var to ting, jeg fandt mest interessante ved forestillingen. En af dem var, som jeg nævnte tidligere, måden historien blev fortalt på gennem en kombination af traditionel ballet og den noget nye og ukendte breakdance på samme scene. Med andre ord, synes jeg, det var et skuespil, der skildrede den friktion, der opstår, når traditionel kultur og ny kultur mødes og smelter sammen. I starten opførte b-boys ekstreme dansetrin, efterfulgt af elegant og traditionel ballet, hvilket var en helt ny oplevelse for mig, som kun havde set klassisk opera og teater. Jeg tror, at de fleste mennesker har et negativt syn på b-boys på grund af samfundets konservative natur. Dette er dybt forankret i b-boyingens oprindelse. B-boy-dans var, sammen med hiphop, et symbol på de fattige i USA. Det var en dans, der startede med en gruppe mennesker fra underverdenen og baggyder, der ønskede at skabe deres egen kultur, så b-boys blev betragtet som en del af proletariatet eller de fattige. Proletariat er et ord, der bruges til at beskrive den lavere klasse, eller folket uden ejendom. Derfor, når de smukke melodier i klassisk musik blev forstyrret af den kaotiske hiphop-musik, der kom fra vinduet i stykket, syntes ballerinaerne, der skar grimasser og dækkede deres ører, at repræsentere vores eksisterende fordomme mod b-boys. Balletkulturen, som vi anser for at stå i kontrast til den såkaldte lavklasse-b-boykultur, har også en anden oprindelse. Ballet var en danseform, der var en del af den aristokratiske kultur i det moderne Europa. Det var en forestilling udelukkende for aristokratiet og et udvalgt antal bourgeoisi, og ballerinaer var meget stolte af deres profession. Derfor må det have været et svært valg for karaktererne i stykket at opgive deres drømme og begynde at dyrke den proletariske dans breakdance. Men når to forskellige ting mødes, er der altid gnidninger. I denne musical accepterer b-boys ikke ballerinaen, der ønsker at blive en b-girl, ind i deres samfund. De ser endda ned på ballet. Jeg tror, at dette er en form for etnocentrisk tænkning, der stammer fra kulturel integration. Jeg synes, det er en kritik af vores samfund i dag, som ikke er i stand til at acceptere og integrere forskellige tankegange og ukendte kulturer. Jeg troede, det var en kritik af os for ikke at være i stand til at harmonere fortiden, som kaldes klassisk, med den fremtidsorienterede nutid. Jeg synes, at der ikke bør være nogen afvisning eller tilsidesættelse af b-boys, fordi de også er en kultur og en kunstform. Jeg tror, at dette skuespil lærte os, at det at acceptere alle kulturer og kunstarter for deres egen skønhed er, hvad det vil sige at være en sand global leder, der kan omfavne verdenskultur i takt med globaliseringen.
Moderne mennesker på jagt efter frihed
Jeg syntes, at det karakteristiske ved populærkunst, såsom "Ballerinaen der elskede en B-boy", der søger at kommunikere med publikum, er at understrege frihed. Først og fremmest fik publikum, det vil sige vi, ekstern frihed. Dette var et forfriskende chok og sjovt for mig, fordi det brød stereotyperne om sund fornuft og klassisk opera og musicals. Det første, der slog mig, da jeg trådte ind i teatret, var, at jeg i modsætning til andre teatre kunne tage videoer og billeder af scener, jeg kunne lide. Jeg kunne også foretage telefonopkald, hvis jeg ville, og jeg var fri til at juble og klappe under forestillingen. Jeg havde altid tænkt, at det var grundlæggende etikette at slukke min mobiltelefon, når man overværede en formel klassisk forestilling eller endda en lille forestilling. Denne forestilling forstyrrede eller begrænsede dog ikke vores frihed så meget som muligt. Selve strukturen, som brød grænserne mellem scenen og publikum, var virkelig ukonventionel. Publikum omgav scenen på tre sider, og scenen var placeret i midten. Dette var ikke den musical- eller teaterstruktur, jeg var bekendt med. Det var som et gårdhaveteater. Det var en forestilling, der søgte at kommunikere med publikum på tættere afstand og brød alle stereotyper. Selve stykket var et skuespil, scenen var en scene, og omgivelserne var omgivelserne. Intet var bundet af eksisterende rammer, hvilket viste, at forandring og frihed altid eksisterer i alt. Gennem den næsten to timer lange forestilling tror jeg, at de to ord, der fyldte teatret og musicalen, var "frihed". Friheden til at tage billeder, medbringe mad og bruge mobiltelefoner var kun en lille del af det. Jeg tror, at den større frihed kan findes i b-boys' og ballerinaers bevægelser. De b-boys' bevægelser, der fik publikum mest begejstrede, var en dans kaldet Air-Track, hvor de drejede rundt snesevis af gange ved hjælp af centrifugalkraft. Publikum jublede entusiastisk, da b-boys trodsede tyngdekraften, løftede sig op i luften og bevarede balancen, mens deres fødder skar gennem luften. Publikum var fascineret, da ballerinaerne udførte en dans kaldet arabesque, hvor de sparkede benene mod himlen og tegnede smukke parabler. Det kan selvfølgelig være på grund af deres energi og skønhed, men hvis man tænker dybere over det, er det oprør mod tyngdekraften, som mennesker født på jorden aldrig kan undslippe. Det virkede som et oprør mod at være bundet. Deres bevægelser var et symbol på uendelig frihed, at de fløj som fugle.
Jeg tror, at det, der blev afsløret gennem deres bevægelser, var en længsel efter uendelig frihed. Desuden, som forklaret i det foregående afsnit, synes det faktum, at ballerinaen i handlingen opgiver sine drømme og stolthed og hopper ind i en mere populærkultur, at skildre det frie liv og den kærlighed, som karakteren i stykket stræber efter. Derfor mener jeg, at denne musical ikke blot tillod publikum at "tale i telefon" i teatret, men skabte en situation, der fik dem til at føle sig frie, og at de farverige dansetrin indeholdt et stort og vigtigt budskab om frihed.
Konklusion
“Ballerinaen der elskede en B-boy” er en musical i en ny genre kaldet dansemusical. Allerede før forestillingen var jeg fascineret af fusionen af traditionel ballet og sort kulturel hiphop. Jeg var begejstret for, at to kulturer uden historisk forbindelse forenes. Jeg husker, at så snart åbningen begyndte, blev publikum og jeg revet med af de entusiastiske jubelråb. Handlingen handlede om en smuk ballerina, der møder en B-boy og forelsker sig i den intense hiphop-musik, og til sidst træder ind i B-boyingens verden. En ballerina, et symbol på finkultur, forelsker sig i en B-boy, et popikon. Først spekulerede jeg på, hvordan historien kunne formidles tydeligt til publikum gennem et stumt skuespil. Men det var kun for et øjeblik. Det unikke emne og kompositionen, samt processen med at løse konflikten mellem ballerinaen og breakdanserne, blev udtrykt meget delikat til publikum, på trods af at det var et stumt skuespil uden dialog. Dansen og skuespillet blev koreograferet til musikken, lyset og effekterne, som var organiseret omkring en enkelt historie, hvilket tydeligt formidlede meningen til publikum og skabte en ny kunstgenre. Selvom der var nogle dele, hvor det var svært at formidle meningen ved kun at bruge musik, dans og ansigtsudtryk, følte jeg, at det var nok til at skabe en følelse af empati blandt publikum. Den dynamiske dans fra skuespillerne og begivenhederne mellem akterne gav det en følelse, der var anderledes end en musical. Jeg synes, at denne musical ikke kun var underholdende, men også gav publikum mange filosofiske og sociale lektioner, såsom jagten på frihed og harmonien mellem det gamle og det nye.
