El autorismo cambió la cara de la crítica cinematográfica al reconocer a los directores como “autores”. Creó un nuevo estándar de evaluación que enfatizaba la individualidad y el talento del director.
En la década de 1950, surgió en la crítica cinematográfica francesa una nueva teoría crítica llamada autorismo. El autorismo se refiere a la visión del director como "autor" y no solo como director, y equipara al director con la obra. En la época en que surgió la teoría, en Francia era común adaptar obras literarias famosas al cine sin demasiadas adaptaciones, recurriendo a vestuarios suntuosos, decorados y actores de teatro populares. El autorismo se promovió como una reacción a los colores literarios y teatrales que prevalecían en el cine francés. Reflejaba el deseo de que las películas fueran reconocidas como obras de arte independientes, con la expresión artística del director, en lugar de ser solo un medio para contar historias.
El autorismo aboga por obras que proyecten de manera consistente el universo cinematográfico personal y el estilo original del director, en lugar de los clichés. La creatividad y la individualidad de un director se manifiestan en rasgos estilísticos consistentes, como una cosmovisión o una conciencia temática que recorre su obra, un estilo narrativo que la expresa y ciertas situaciones, escenarios o técnicas expresivas que se repiten con insistencia. Se basa en la creencia de que un director puede construir su propio lenguaje cinematográfico y comunicarse con el público a través de él.
La crítica de autor ha tenido un impacto importante en el mundo de la crítica cinematográfica, sobre todo a través del redescubrimiento del cine de Hollywood. En Hollywood, las películas se producían de forma estandarizada y descentralizada para aumentar la eficiencia del personal de producción, similar al sistema Ford, que simboliza la tecnología de producción en masa estadounidense temprana. Como resultado, el productor, que estaba a cargo de las finanzas y la administración, se involucró en el proceso de trabajo del director, mientras que el papel del director era implementar las ideas del productor en la pantalla. Esto se hizo con el fin de producir películas de cierta calidad y minimizar la inestabilidad de la taquilla, que puede ser causada por variables como los talentos no cuantificables de los creadores y los gustos volubles del público. Dentro de este sistema, los directores a menudo veían restringida su libertad creativa, pero los autores vieron en esto el potencial para la originalidad.
Sin embargo, los críticos de autor creían que incluso en las películas comerciales producidas en las condiciones más industrializadas de Hollywood se podía encontrar la impronta única de un director. Los críticos de autor observaron casos en los que las condiciones restrictivas de producción realmente hicieron aflorar el sentido de desafío y la creatividad del director. Como resultado, las películas de serie B y sus directores también se beneficiaron. Reevaluaron a los directores que, a pesar de las limitaciones comerciales, habían logrado incorporar su propio estilo único y conciencia temática a su trabajo. Esto permitió que el público y los críticos descubrieran la narrativa personal y las intenciones artísticas del director en sus películas.
El director de Hollywood más destacado que ha sido rehabilitado por los críticos de autor es Hitchcock, un maestro del género de suspense. Hitchcock fue reconocido como un director que mantuvo una conciencia temática y un estilo consistentes incluso dentro de las limitaciones del sistema de producción y del género. Hitchcock utilizó su propio esquema narrativo de engañar al público y luego revelar la verdad en el último minuto para un giro impactante. También utilizó a menudo la técnica del “McGuffin” de engañar al público como un recurso dramático para crear sus propias convenciones narrativas: usaba un elemento en particular como McGuffin, haciéndolo parecer una pista definitiva, solo para que resultara ser falso, dejando al público desconcertado. Esta técnica se convirtió en una marca registrada de las películas de Hitchcock y lo colocó en una liga propia.
La influencia del autor en la revalorización del cine de Hollywood continúa hasta nuestros días. Por ejemplo, el autor ayudó a definir lo que constituye una “buena” película o un “gran” director, y todavía se utiliza en la educación cinematográfica de hoy. El autor también dio a los nuevos directores el coraje de desarrollar su propio lenguaje cinematográfico y usarlo para hacer realidad su visión artística. Esto ha allanado el camino para que una amplia gama de experimentación e innovación cinematográficas continúen en el cine moderno. Además, a medida que el panorama cinematográfico se ha vuelto más diverso debido a los avances en la tecnología digital, el autor se ha reinventado en nuevas formas y sigue siendo tan relevante como siempre.
